La compañía de teatro "La María" cumple 12 años montando textos incómodos de la mano del director Alexis Moreno. La suma implica 16 montajes oficiales (2 trilogías, 8 textos originales, 8 adaptaciones y 1 grupo creativo) a los que se suma “Padre” el texto del sueco August Strindberg, conocido como el dramaturgo de la crueldad y renovador del teatro moderno.

La obra ganadora del Fondart Bicentenario inaugura un ciclo de dos grandes clásicos del teatro naturalista que se estrenarán entre el 2011 y el 2012.  Con una temporada que se extenderá hasta el 10 de diciembre en el Teatro UC, “Padre” relata el rito de El Capitán, un hombre golpeado por la duda en la existencia de Dios y las certezas científicas. Completamente orientado por el afecto hacia su hija Berta, deberá enfrentarse a la maldad de su mujer Laura quién lo hará dudar de su paternidad y afecto.

“La obra fue escrita para denunciar, en aquel tiempo, la malignidad instintiva de las mujeres”, dice el director, quien pone el énfasis en la debacle familiar. La incertidumbre genera acá el conflicto, una violenta lucha sicológica entre el género masculino y femenino. Un enfrentamiento constante para Alexis Moreno.

La mujer como vampiro

Para él, el rol de la mujer y el del hombre interactúan dentro de un sistema perverso que va anulando el poder de género para generar una ambigüedad en el comportamiento cuyos hilos son movidos por el poder económico. “En la obra, la mujer es una mujer vampiro capaz de cualquier cosa con tal de salir victoriosa en la lucha a muerte que enfrenta con su esposo. Una guerrera contra la opresión”, agrega sobre este rol de la hembra que también es extensivo a quién en la vida cotidiana se hace cargo de mantener hogares y de la crianza de los hijos.

Gran parte del trabajo de la Compañía La María ha adaptado textos clásicos, ¿En qué medida se barniza el texto original con una mirada del director o los actores?
Este texto se somete a nuestro lenguaje desde la mirada que le damos a la puesta en escena. El texto es el íntegro de Strindberg, a excepción de la edición de escenas, es decir, decidimos dejar fuera tres escenas que se constituían necesarias sólo desde la época en la que fueron escritas. El texto final, se contextualizó dentro de la premisa que le dimos al montaje y su solución final es la mezcla entre distintas épocas y estéticas, en donde el texto de 1887 dialoga con una estética de fuerte contenido visual, actuaciones sicológicas y de alta intensidad y un contexto actual que hable de una familia hecha del melodrama. El resultado termina siendo fiel al texto, el que infiere una familia un tanto decadente y melodramática que se ve obligada a vivir en una zona rural y en un aislamiento que potencia su discusión.

¿Puedes describir brevemente las ventajas y principales desafíos de tu elenco para  enfrentar este montaje en particular?
El gran desafío de todo el elenco fue sin lugar a dudas someterse a una técnica actoral particular, que es la de las acciones físicas, o sea, la actuación realista, donde los antecedentes posibilitan un presente. A pesar de ser destacados siempre en lo actoral, nuestras actuaciones anteriores provenían de otro lugar, antes inaugurábamos un mundo particular en cuanto a la estética y lo actoral venía luego. Ahora fue a la inversa, todo el descubrimiento comenzó en la búsqueda actoral y luego, durante el proceso, mediante el ensayo de prueba y error, fuimos decantando un lenguaje estético particular. Ha sido el proceso creativo más desafiante que hemos tenido en nuestros 12 años de trayectoria.

¿Qué trabajo personal realizaste antes de acercarte a la obra de Strindberg?
Hace años que en la universidad mayor soy académico de Actuación Realista, por lo mismo me he especializado en el trabajo Stanislavskiano que dialogue con lo escénico contemporáneo y no se articule como un simple homenaje histórico al siglo XIX. Además de eso, hace 10 años atrás como compañía ya habíamos montado un Strindberg: “El Pelícano”, en un estilo de terror un tanto gótico, con pianos desafinados, objetos que se movían solos y un ambiente de casona fantasmal. Entonces, los antecedentes básicos ya existían: un ambiente siniestro para cualquier texto de Strindberg y una metodología exhaustiva y detallista para poder interpretar estos textos. En todos nuestros montajes lo atmosférico ha sido fundamental, por lo mismo, el universo que propone el texto de “Padre”, no nos era ajeno.

¿Sobre qué temas actuales crees que estaría escribiendo hoy este dramaturgo de la crueldad?
Sobre ninguno, se hubiera cansado de la infinita estupidez humana.

La obra protagonizada por Tamara Acosta, Alexandra von Hummel, Jorge Arecheta y Alexis Moreno se monta en el Teatro Universidad Católica, ubicado en Jorge Washington 26, Plaza Ñuñoa.

Los horarios son: Jueves, viernes y sábado 21 hrs. con entradas de $7.000 General, $5.000 Convenios, Tercera Edad, $3.500 Jueves populares y 3x2 promoción estudiantes. Reservas al 205 5652