El 2002, la compañía La María, fundada en 1999, entregó uno de los montajes más interesantes, entretenidos  e innovadores de la escena de nuestro país. “Pelícano”, de August Strindberg, impresionó no sólo por la energía joven en que se sustentaba, sino por la forma en que abordó un texto clásico -con una historia realista y basada en la palabra-, un grupo que, desde sus inicios, apostaba por una variante de la experimentación escénica.

Esa vez, en un escenario despojado, con un refrigerador como parte esencial del relato, la compañía reordenó el original en función de una nueva mirada y lectura de una obra escrita por un autor que vivió entre 1849 y 1912.

Al mismo tiempo, el grupo desarrolló un trabajo actoral lleno de vitalidad que extrajo de cada miembro del elenco rasgos intensos de cada personaje. Así, texto y puesta en escena salieron fortalecidos mostrando el resentimiento y violencia de dos hijos contra su madre, construyéndose una imagen monstruosa e infernal de la mujer y de la vida en familia, además de consignar el fracaso en las relaciones humanas.

OTRA MIRADA

Algo de todo esto recuerda la versión que de “Padre”, de Strindberg, estrenó en octubre La María, una obra que renueva la confrontación de personas individuales al interior del núcleo familiar. Pero desde otro ángulo.

Un hombre, militar y científico, pone en su hija todas las esperanzas que le quedan luego de perder la fe en Dios. El conflicto surge cuando la esposa pone en duda su paternidad. Sucede que al transformarse la hija en una razón de vivir, la precariedad existencial se instala en el espíritu del Capitán, con la incertidumbre como sustento en todas sus reacciones.

Aunque el tema de la paternidad se mantiene como centro del conflicto en la obra, se advierte la intención del director Alexis Moreno de instalar el eje en la relación familiar y la confrontación masculino-femenino, un punto de vista más general y abarcador.

Tal vez por eso sintetiza sobre el escenario situaciones físicas y agrega variados signos que acentúan tácita o expresamente esa arista, con marido y mujer juntos, pero distantes física y emotivamente; en conexión, pero en cortocircuito…

Sin embargo, desde la butaca, la obra parece estar siempre en un estado de latencia o, mejor dicho, exponiéndose en situaciones físicas y emotivas sumamente extendidas, aletargando el desarrollo global. Ejemplo de esto son los largos minutos del comienzo, cuando el protagonista trabaja en la máquina de ejercicios, aumentando o disminuyendo la carga.

El recurso es interesante porque informa, sitúa, define y valora el contexto cotidiano del personaje. A través de esa conducta reiterada fisiculturista se transporta algo más que una obsesión por querer verse joven, fuerte, seguro y vigente (incluso sugiere nuevas incertidumbres). En contraste, la esposa viste producida y elegante, y se mueve como si estuviera en un mundo paralelo. Todo muy sugerente.

Sin embargo, la excesiva extensión de este momento que parece no evolucionar, aletarga e impide ver el sentido del recurso, aleja al espectador, lo distancia de lo central, diluye la atenció. Esto problema se manifiesta en toda la obra, pese a que hay presencia de rasgos de humor, momentos melodramáticos, aciertos textuales y un grado de irreverencia, sin contar la espectacular escenografía de Rodrigo Ruiz.

Si considera que la opción escénica de la compañía es incuestionable y legítima, se puede decir que no se alcanza plenamente la ecuación final entre texto clásico y puesta en escena innovadora.

(Teatro UC. Jorge Washington 26. F: 205 5652. Ju., vi. y sá., 21.00. $ 7.000, $ 5.000 y $ 3.500).